Pop-art

Wyobraź sobie, że wchodzisz do galerii sztuki, ale zamiast obrazów królów czy cichych krajobrazów widzisz gigantyczny kadr z komiksu. BAM. POW. A może widzisz obraz puszki zupy, dokładnie takiej samej, jaką masz w kuchennej szafce. Możesz zobaczyć gwiazdy filmowe, reklamy i loga znanych marek — wszystko to, co widzisz na co dzień — zamienione w jasną, odważną i kolorową sztukę. To właśnie ja. Zanim pojawiłem się w połowie XX wieku, wielu ludzi uważało, że sztuka musi być bardzo poważna i dotyczyć poważnych spraw. Ja pojawiłem się, by udowodnić, że sztuka może być zabawna, głośna i opowiadać o „popularnym” świecie, który nas otacza. Jestem celebracją codzienności i uwielbiam być kolorowy i ekscytujący. Nazywam się Pop-art.

Urodziłem się w miejscu pełnym nowych pomysłów i ekscytacji: w Londynie, w Anglii, w latach 50. XX wieku. Po długiej i trudnej wojnie ludzie byli gotowi na coś nowego i optymistycznego. Grupa artystów, pisarzy i myślicieli zwana Grupą Niezależną zaczęła spotykać się w 1952 roku. Byli zafascynowani jasnym, błyszczącym światem amerykańskiej kultury popularnej, który widzieli w magazynach i filmach. Jeden z tych artystów, Eduardo Paolozzi, już 2 czerwca 1947 roku stworzył kolaż zatytułowany „Byłem zabawką bogacza”. Była to mieszanka obrazków z czasopism, a nawet zawierała słowo „pop.” w obłoczku dymu. Inny artysta, Richard Hamilton, w 1956 roku stworzył słynny kolaż o tytule „Co właściwie sprawia, że dzisiejsze domy są tak inne, tak pociągające?”. Był on wypełniony obrazkami nowych odkurzaczy, szynki w puszce i kulturystów — wszystkimi symbolami nowoczesnego życia. Ci brytyjscy artyści jako pierwsi spojrzeli na wszystkie te „rzeczy” świata — reklamy, loga, celebrytów — i powiedzieli: „To też może być sztuka.”.

Gdy stawiałem pierwsze kroki w Wielkiej Brytanii, jednocześnie przeprawiałem się przez ocean do Stanów Zjednoczonych pod koniec lat 50. To właśnie tam stałem się supergwiazdą. Amerykańscy artyści wzięli moje pomysły i uczynili je większymi, odważniejszymi i jeszcze bardziej sławnymi. Artysta o nazwisku Andy Warhol zdecydował, że wszystko może być tematem jego sztuki. 9 lipca 1962 roku otworzył wystawę z 32 obrazami puszek zupy Campbell's, po jednym dla każdego smaku. Tworzył także kolorowe grafiki znanych osób, takich jak Marilyn Monroe. Używał metody druku zwanej sitodrukiem, aby tworzyć wiele kopii swojej pracy, tak jak fabryka tworzy wiele kopii produktu. Inny artysta, Roy Lichtenstein, uwielbiał wygląd komiksów. Tworzył ogromne, dramatyczne obrazy, które wyglądały, jakby były wyjęte prosto z komiksu, z dymkami dialogowymi i maleńkimi kropkami, zwanymi kropkami Ben-Day, których używali drukarze. Jego obraz „Whaam.” z 1963 roku jest doskonałym przykładem. Ci artyści nie tylko tworzyli sztukę; zadawali pytania o to, czym sztuka może być.

Mój wielki pomysł był prosty: sztuka nie powinna być ukryta ani zrozumiała tylko dla nielicznych. Powinna być dla każdego. Wziąłem rzeczy, które ludzie widzieli na co dzień, i umieściłem je na ścianie galerii, pokazując, że w zwyczajnym świecie jest piękno i znaczenie. Złamałem stare zasady i połączyłem sztukę wysoką z kulturą popularną. Dzięki mnie dzisiejsi artyści czują się swobodnie, czerpiąc inspirację zewsząd — z gier wideo, internetowych memów, mody czy ulubionego pudełka płatków śniadaniowych. Pokazałem światu, że sztuka może być figlarna, inteligentna i być odbiciem czasów, w których żyjemy. Więc następnym razem, gdy zobaczysz fajną reklamę, śmieszny komiks lub kolorowe opakowanie w sklepie, przyjrzyj się uważnie. Może właśnie zobaczysz odrobinę mojego ducha, przypominającego ci, że sztuka jest wszędzie wokół ciebie i czeka na odkrycie.