Pop-art

Wyobraź sobie, że wchodzisz do galerii sztuki, ale zamiast statecznych pejzaży i portretów w złotych ramach, ściany eksplodują kolorami. Widzisz obraz, który wygląda jak kadr z komiksu, tylko tysiąc razy większy, z grubymi czarnymi konturami i kropkami wypełniającymi tło. Obok niego wisi portret słynnej aktorki, jej twarz powtórzona dziesięć razy, każda w innej, szokującej kombinacji barw – turkusowe włosy, różowa skóra, pomarańczowe usta. A na kolejnej ścianie, co najdziwniejsze, wisi obraz przedstawiający zwykłą, najzwyklejszą puszkę zupy. Stoi samotnie na płótnie, namalowana z precyzją i powagą, jakby była najcenniejszym klejnotem królewskim. To właśnie ja. Taki jestem. Biorę rzeczy tak codzienne, że przestajesz je zauważać – butelkę napoju gazowanego, batonik, znak drogowy – i umieszczam je w centrum uwagi. Pokazuję je w nowym świetle, powiększone, powielone i pomalowane w barwach, o jakich nigdy byś nie pomyślał. Nie jestem cichą, subtelną sztuką, która szepcze. Jestem głośny, zabawny i trochę zaskakujący. Jestem jak chwytliwy refren piosenki, która nie chce wyjść ci z głowy, jak neonowy szyld migoczący w nocy. Urodziłem się z kultury masowej, ze świata reklam, telewizji i kolorowych magazynów. Jestem sztuką tego, co „popularne”, i możecie nazywać mnie Pop Art.

Zanim się narodziłem, świat sztuki był bardzo poważnym miejscem. Wyobraź sobie lata 50. XX wieku. Zakończyła się II wojna światowa, a ludzie, zwłaszcza w Ameryce i Europie Zachodniej, z optymizmem patrzyli w przyszłość. To był czas wielkiego boomu gospodarczego. W domach zaczęły pojawiać się telewizory, pralki i lśniące lodówki. Z głośników radiowych leciał rock and roll, a kolorowe magazyny i wszechobecne reklamy krzyczały: „Kupuj! Bądź nowoczesny! Bądź szczęśliwy!”. Świat pędził do przodu, pełen nowych technologii, produktów i celebrytów. Jednak „wysoka” sztuka, ta pokazywana w najważniejszych galeriach, zdawała się tego zupełnie nie dostrzegać. Królował tam ekspresjonizm abstrakcyjny – ogromne płótna pokryte dramatycznymi pociągnięciami pędzla, plamami i zaciekami farby. Artyści tacy jak Jackson Pollock czy Willem de Kooning przelewali na płótno swoje najgłębsze emocje, ale ich prace nie przedstawiały niczego konkretnego ze świata zewnętrznego. Były to dzieła pełne pasji, ale dla wielu ludzi niezrozumiałe i odległe od ich codziennego życia. I wtedy, po cichu, zacząłem kiełkować. Moje pierwsze nasiona zostały zasiane w Wielkiej Brytanii w połowie lat 50. przez grupę artystów, architektów i krytyków, którzy nazwali siebie Grupą Niezależną (Independent Group). Zafascynowani byli amerykańską kulturą masową. Zamiast odwracać się od niej z pogardą, jak czyniło to wielu intelektualistów, oni widzieli w niej energię, siłę i nową estetykę. Już w 1947 roku Eduardo Paolozzi, jeden z członków grupy, stworzył kolaż zatytułowany „Byłem zabawką bogacza”, w którym z dymu rewolweru wylatuje słowo „POP!”. To był proroczy moment. Kilka lat później, w 1956 roku, Richard Hamilton stworzył swoje ikoniczne dzieło, kolaż „Co właściwie sprawia, że dzisiejsze domy są tak inne, tak pociągające?”. Był to manifest tego nowego myślenia. Jednak prawdziwa eksplozja mojej popularności nastąpiła, gdy przekroczyłem Atlantyk. Na przełomie lat 50. i 60. w Stanach Zjednoczonych, w sercu kultury konsumpcyjnej, znalazłem idealne warunki do rozwoju. To tam artyści w pełni przyjęli mnie jako swój język.

Każdy ruch artystyczny potrzebuje swoich bohaterów, a ja miałem prawdziwe supergwiazdy. Najsłynniejszą z nich był bez wątpienia Andy Warhol. To był niezwykły artysta z Nowego Jorku, z charakterystyczną peruką z białych włosów, który widział sztukę wszędzie, zwłaszcza tam, gdzie nikt inny jej nie szukał. W 1962 roku wstrząsnął światem sztuki, wystawiając serię trzydziestu dwóch obrazów przedstawiających puszki zupy Campbell’s – po jednym na każdy dostępny smak. Ludzie byli zszokowani. Zupa? W galerii sztuki? Warhol pokazywał, że przedmiot produkowany masowo, który każdy mógł kupić w supermarkecie, może być tak samo godny uwagi jak portret króla. Uwielbiał techniki, które pozwalały na powielanie, jak w fabryce. Używał sitodruku, aby tworzyć wiele kopii swoich prac. Jego pracownia, słynna „Fabryka” (The Factory), była miejscem, gdzie sztuka mieszała się z życiem, muzyką i filmem. Tworzył tam kolorowe portrety gwiazd, takich jak Marilyn Monroe, pokazując, jak w nowoczesnym świecie celebryci stają się produktami, takimi samymi jak puszka zupy. Kolejną moją wielką gwiazdą był Roy Lichtenstein. On z kolei zakochał się w estetyce komiksów. Fascynowały go ich dramatyczne sceny, uproszczone rysunki i intensywne emocje. Brał pojedynczy, mały kadr z komiksu wojennego lub romantycznego i powiększał go do gigantycznych rozmiarów na płótnie. Malował z niezwykłą precyzją, naśladując nawet charakterystyczne kropki, zwane kropkami Ben-Day, które powstawały w procesie taniego druku. Jego słynny obraz „Whaam!” z 1963 roku wygląda jak zamrożona w czasie eksplozja prosto ze stron komiksu, pokazując myśliwiec niszczący wrogi samolot. Lichtenstein udowodnił, że styl uważany za „niski” i dziecięcy może stać się potężną, monumentalną sztuką. Nie można też zapomnieć o Claesie Oldenburgu, rzeźbiarzu z niezwykłym poczuciem humoru. On również brał na warsztat codzienne przedmioty, ale nadawał im zaskakującą formę. Tworzył gigantyczne, miękkie rzeźby przedstawiające hamburgery, frytki, włączniki światła czy maszynę do pisania. Jego prace były zabawne i absurdalne, sprawiały, że ludzie uśmiechali się, patrząc na zwykły przedmiot zamieniony w coś niezwykłego, miękkiego i pozbawionego swojej funkcji.

Moja największa, najważniejsza idea była prosta, ale w tamtych czasach – rewolucyjna. Chciałem powiedzieć wszystkim, że sztuka nie jest zamknięta w zakurzonych muzeach i nie należy tylko do bogatych kolekcjonerów. Nie musi opowiadać wyłącznie o mitologicznych bogach, dawnych bitwach czy odległych, sielskich krajobrazach. Sztuka może, a nawet powinna, opowiadać o świecie, w którym żyjesz tu i teraz. O puszce fasoli, którą mama kupuje na obiad, o twoim ulubionym bohaterze z komiksu, o twarzy piosenkarza z okładki magazynu. Złamałem sztywne zasady, które dzieliły sztukę na „wysoką”, czyli tę uważaną za ważną i godną podziwu, i „niską” – czyli kulturę masową, komiksy, reklamę, uważane za trywialną rozrywkę. Pokazałem, że ten podział nie ma sensu. Udowodniłem, że w puszce zupy może być tyle samo artystycznej mocy, co w zachodzie słońca. Mój wpływ jest dziś wszędzie, nawet jeśli nie zawsze go zauważasz. Kiedy widzisz odważny projekt graficzny na plakacie, koszulkę z powielonym, kolorowym wizerunkiem, teledysk, który bawi się estetyką reklamy – widzisz moje dziedzictwo. Nauczyłem projektantów, muzyków i filmowców, by czerpali inspirację z otaczającej ich rzeczywistości. Przede wszystkim jednak dałem odwagę tobie. Nauczyłem świat, by patrzeć uważniej na codzienne, zwykłe rzeczy i dostrzegać w nich piękno, humor i ukryte znaczenia. Jestem przypomnieniem, że twój świat, twoje życie, jest pełne niesamowitych obrazów i pomysłów, które tylko czekają, aż ktoś je odkryje i zamieni w dzieło sztuki. Sztuka jest dla każdego. I jest absolutnie wszędzie.