Georges Braque

Hallo, ich bin Georges Braque. Meine Geschichte beginnt am 13. Mai 1882 in Argenteuil, Frankreich, einer kleinen Stadt in der Nähe von Paris, die schon damals für ihre Maler bekannt war. Ich wuchs in einer Welt voller Farben und Pinsel auf, denn mein Vater und mein Großvater waren beide Anstreicher und Dekorateure. Sie waren meine ersten Lehrer. Von ihnen lernte ich nicht nur das Handwerk, sondern auch besondere Techniken, die man nicht an einer Kunstschule lernt. Eine davon war das Malen von falscher Holzmaserung, eine Fähigkeit, die so überzeugend aussah, dass man sie kaum von echtem Holz unterscheiden konnte. Damals ahnte ich nicht, dass ich genau diese Technik Jahre später in einigen meiner berühmtesten Kunstwerke verwenden würde. Als ich ungefähr acht Jahre alt war, um 1890, zog meine Familie nach Le Havre, eine Hafenstadt in der Normandie. Dort setzte ich meine Ausbildung fort. Tagsüber half ich im Familienbetrieb und abends, ab 1897, studierte ich Kunst an der örtlichen École des Beaux-Arts. Es war ein Balanceakt zwischen der praktischen Arbeit eines Handwerkers und dem Traum, ein Künstler zu werden.

Im Jahr 1902, mit zwanzig Jahren, war ich bereit für den nächsten großen Schritt. Ich zog nach Paris, das pulsierende Herz der Kunstwelt, um mein Leben ganz der Malerei zu widmen. Die Stadt war voller neuer Ideen und aufregender Künstler. Ich schrieb mich an der Académie Humbert ein, um meine Fähigkeiten zu verfeinern, aber die wahre Schule war die Stadt selbst mit ihren Galerien und Künstlercafés. Zu dieser Zeit war ich fasziniert von einer Gruppe junger Maler, die man die „Fauves“ nannte, was auf Französisch „die wilden Tiere“ bedeutet. Ihr Stil war revolutionär. Sie benutzten Farben direkt aus der Tube, leuchtend und kräftig, ohne sie zu mischen, um eine möglichst starke emotionale Wirkung zu erzielen. Ihre Bilder schockierten viele, aber mich inspirierten sie. Für eine kurze Zeit malte ich ebenfalls in diesem Stil. Im Jahr 1906 hatte ich sogar die Ehre, einige meiner fauvistischen Werke im berühmten Salon des Indépendants auszustellen. Es war ein wichtiger Erfolg für mich, aber tief in mir spürte ich, dass dies nur ein Zwischenstopp war. Ich war auf der Suche nach etwas völlig Neuem, einer eigenen Sprache in der Kunst.

Das Jahr 1907 veränderte alles. In diesem Jahr traf ich einen anderen jungen, ehrgeizigen Künstler, dessen Name Pablo Picasso war. Vom ersten Moment an spürten wir eine tiefe Verbindung. Wir teilten den gleichen unbändigen Drang, die Kunst von Grund auf zu verändern. Wir wurden nicht nur enge Freunde, sondern auch künstlerische Partner. Später beschrieb ich unsere Zusammenarbeit oft wie die von zwei Bergsteigern, die an einem Seil zusammengebunden sind und gemeinsam einen Gipfel erklimmen. Gemeinsam stellten wir jede bekannte Regel der Malerei in Frage. Warum sollte man ein Objekt nur aus einem einzigen Blickwinkel malen, so wie es das Auge in einem Moment sieht? Wir wollten mehr zeigen. So begannen wir, einen völlig neuen Stil zu entwickeln, den wir später Kubismus nannten. Die Grundidee war, Objekte in ihre geometrischen Grundformen zu zerlegen – in Würfel, Zylinder und Kegel – und sie aus vielen verschiedenen Perspektiven gleichzeitig auf der Leinwand darzustellen. Im Jahr 1908 hatte ich eine Ausstellung, bei der ein Kunstkritiker spöttisch bemerkte, meine Bilder würden aus lauter kleinen „Würfeln“ (cubes) bestehen. Ohne es zu ahnen, hatte er unserer neuen Kunstrichtung ihren Namen gegeben.

Unsere kubistische Reise mit Picasso war intensiv und voller Entdeckungen. Die erste Phase, die von etwa 1909 bis 1912 dauerte, wird heute als Analytischer Kubismus bezeichnet. In dieser Zeit reduzierten wir unsere Farbpalette bewusst auf gedämpfte Töne wie Braun, Grau und Grün. Wir wollten nicht durch leuchtende Farben ablenken, sondern uns voll und ganz auf die Form und die Struktur der Objekte konzentrieren. Wir zerlegten Geigen, Krüge und Gitarren in ihre Einzelteile und setzten sie auf der Leinwand neu zusammen, um ihre wahre Essenz zu zeigen. Dann, im Jahr 1912, gelang mir ein Durchbruch, der die Kunst für immer verändern sollte. Ich saß in meinem Atelier und experimentierte. Anstatt eine Holzmaserung zu malen, kam mir die Idee, ein Stück Tapete mit Holzimitat direkt auf meine Zeichnung zu kleben. Diese Technik nannte ich „Papier collé“, was „geklebtes Papier“ bedeutet. Es war die Geburtsstunde der Collage. Plötzlich war es möglich, reale Gegenstände aus dem Alltag – Zeitungsausschnitte, Stoffreste oder eben Tapete – in ein Kunstwerk zu integrieren. Diese neue Phase nannten wir Synthetischen Kubismus, weil wir nun Bilder aus verschiedenen Elementen zusammensetzten.

Unsere unglaublich produktive und enge Zusammenarbeit wurde 1914 jäh unterbrochen. Der Erste Weltkrieg brach aus und veränderte die Welt und auch mein Leben. Ich wurde in die französische Armee einberufen und musste an die Front. Picasso, als Spanier, musste nicht kämpfen. Unsere gemeinsame Reise war plötzlich zu Ende. Im Jahr 1915 erlitt ich eine schwere Kopfverletzung, die so schlimm war, dass ich vorübergehend erblindete. Es war eine schreckliche Zeit der Dunkelheit und Unsicherheit. Ich wusste nicht, ob ich jemals wieder malen könnte. Diese Erfahrung hat mich tief geprägt. Als ich 1917 endlich wieder so weit genesen war, dass ich einen Pinsel halten konnte, war die Welt eine andere, und auch ich war ein anderer. Unsere künstlerische Partnerschaft mit Picasso war vorbei; wir hatten uns in unterschiedliche Richtungen entwickelt. Ich begann nun, meinen eigenen, persönlicheren Stil zu finden. Meine Kunst wurde ruhiger und nachdenklicher. Ich widmete mich wieder mehr der Farbe und der Textur und malte oft Stillleben – harmonische Anordnungen von Alltagsgegenständen, die eine stille Schönheit ausstrahlten.

Ich habe ein langes Leben der Kunst gewidmet und auch nach dem Krieg noch viele Jahrzehnte lang weiter geforscht und gemalt. Mein Stil entwickelte sich ständig weiter, aber die Suche nach Harmonie und Struktur blieb immer im Mittelpunkt meines Schaffens. Eine der größten Ehren meines Lebens erfuhr ich 1961, als ich der erste lebende Künstler war, dem das berühmte Louvre-Museum in Paris eine Einzelausstellung widmete. Ich wurde 81 Jahre alt, und meine Lebensreise endete am 31. August 1963. Ich hoffe, dass ich nicht nur für meine Bilder in Erinnerung bleibe, sondern auch dafür, dass ich der Welt eine neue Art des Sehens gezeigt habe. Meine Ideen zum Kubismus und zur Erfindung der Collage haben unzähligen Künstlern nach mir die Tür geöffnet. Meine Geschichte soll sie ermutigen, mutig zu sein, Regeln zu brechen und ihre eigene, einzigartige Sicht auf die Welt zum Ausdruck zu bringen.