Pop-Art

Stell dir vor, du gehst durch eine Kunstgalerie, aber an den Wänden hängen keine alten Porträts von Königen oder sanfte Landschaften. Stattdessen siehst du kräftige, schwarze Linien, die aussehen, als kämen sie direkt aus einem Comicbuch. Du siehst leuchtende, flache Farben – ein knalliges Rot, ein elektrisches Blau, ein sonniges Gelb –, die dir fast entgegenrufen. Und die Motive? Eine ganz normale Suppendose, ordentlich aufgereiht. Das Gesicht eines Filmstars, immer und immer wieder in allen Farben des Regenbogens wiederholt. Eine riesige Sprechblase mit einem dramatischen „WHAAM!“ darin. Hast du so etwas schon einmal gesehen? Das ist es, was ich tue. Ich nehme die gewöhnlichen, alltäglichen Dinge, die die Menschen vielleicht gar nicht mehr richtig wahrnehmen, und verwandle sie in etwas Spektakuläres, Wichtiges und Aufregendes. Ich bin kein leises, sanftes Gemälde eines Blumenfeldes. Ich bin laut, mache Spaß und bin immer für eine Überraschung gut. Ich bin die Kunst des „Populären“, und du kannst mich Pop-Art nennen.

Bevor ich auf die Welt kam, war die Kunst eine sehr ernste Angelegenheit. Besonders in den 1950er-Jahren, nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, war die Welt im Wandel. Es war eine Zeit aufregender neuer Technologien, in der plötzlich Fernseher in den Wohnzimmern standen, bunte Zeitschriften in den Regalen lagen und an jeder Ecke Werbeplakate für die neuesten Produkte leuchteten. Die Menschen waren fasziniert von Konsum, von Stars und von einer brandneuen, schnellen, lauten Kultur. Die „seriöse“ Kunstwelt schien das aber nicht zu bemerken. Dort dominierten abstrakte Gemälde, bei denen es um tiefe Gefühle und komplexe Ideen ging, die aber aussahen wie Farbkleckse und nichts mit dem echten Leben zu tun hatten. Doch dann begann ich als ein Flüstern im Vereinigten Königreich, Mitte der 1950er-Jahre. Eine Gruppe von Künstlern und Denkern, die sich „Independent Group“ nannte, fand das alles ziemlich langweilig. Künstler wie Eduardo Paolozzi, der schon 1947 eine Collage mit dem Wort „POP!“ darin schuf, und Richard Hamilton, dessen berühmte Collage von 1956 den Titel „Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?“ trug, fingen an zu denken: Warum sollte Kunst nicht von den wirklich spannenden Dingen handeln? Von Filmen, Autos, Comics und Werbung? Kurz darauf, in den späten 1950er- und frühen 1960er-Jahren, platzte ich dann in den Vereinigten Staaten so richtig auf die Bühne, denn dort war diese neue Welt der Konsumkultur am größten, buntesten und lautesten.

Es waren einige ganz besondere Künstler, die mich berühmt gemacht haben, meine Superstars. Der erste war Andy Warhol, ein Künstler in New York City mit schockierend weißen Haaren, der Kunst in absolut allem sah. Er wurde weltberühmt, als er 1962 Campbell's-Suppendosen malte, eine für jede Geschmacksrichtung. Er stellte etwas aus dem Supermarktregal in ein Museum und machte es so zum Meisterwerk. Warhol nutzte eine Technik namens Siebdruck, um viele Kopien seiner Werke herzustellen, fast wie in einer Fabrik. Sein Atelier nannte er passenderweise „The Factory“. Er schuf auch farbenfrohe Porträts von Berühmtheiten wie Marilyn Monroe und zeigte damit, wie Stars selbst zu Produkten geworden waren, die man genauso konsumieren konnte wie eine Suppe. Dann gab es Roy Lichtenstein. Er liebte die Dramatik und den Stil von Comics. Er nahm ein winziges Comic-Panel und vergrößerte es zu einem riesigen, kraftvollen Gemälde. Dabei ahmte er sogar die kleinen Pünktchen nach, die man „Ben-Day-Punkte“ nennt und die beim Drucken von Comics verwendet wurden. Sein Gemälde „Whaam!“ aus dem Jahr 1963 sieht aus, als wäre es direkt aus einem Action-Comic gerissen worden und explodiert förmlich auf der Leinwand. Und man darf Claes Oldenburg nicht vergessen. Er nahm Alltagsgegenstände und verwandelte sie in riesige, weiche, fast schon matschige Skulpturen. Stell dir einen gigantischen Hamburger vor, auf den du dich setzen könntest, oder einen Lichtschalter aus weichem Stoff. Er machte das Gewöhnliche außergewöhnlich und brachte die Menschen damit zum Lachen und zum Nachdenken.

Meine große Idee, meine Botschaft an die Welt, war einfach, aber revolutionär: Kunst ist nicht nur für schicke Museen und muss sich nicht mit alten, ehrwürdigen Themen befassen. Kunst kann von der Welt handeln, in der du genau jetzt lebst – von dem Essen, das du isst, den Sendungen, die du siehst, und den Dingen, die du kaufst. Ich habe die Regeln gebrochen und gezeigt, dass es keine „hohe“ Kunst für die Gebildeten und „niedrige“ Kunst für die Massen gibt. Es gibt nur interessante Kunst. Mein Einfluss ist heute noch überall zu spüren. Du kannst meine leuchtenden Farben, kräftigen Umrisse und meine spielerische Haltung im Grafikdesign, in der Mode, in Musikvideos und in der Werbung sehen. Jedes Mal, wenn ein Designer ein T-Shirt mit einem Comic-Druck entwirft oder eine Werbung ein alltägliches Produkt wie ein Kunstwerk aussehen lässt, ist ein kleiner Teil von mir dabei. Ich habe der Welt beigebracht, genauer auf die alltäglichen Dinge zu schauen und die Schönheit, den Humor und die Bedeutung zu finden, die sich darin verbergen. Ich bin eine Erinnerung daran, dass deine Welt, genau jetzt, voller erstaunlicher Dinge ist, die nur darauf warten, in ein Meisterwerk verwandelt zu werden. Kunst ist für jeden da, und sie ist überall.