Pop-Art

Stell dir vor, du gehst in eine Kunstgalerie, aber anstatt Gemälden von Königen oder ruhigen Landschaften siehst du ein riesiges Comic-Panel. PENG. BOOM. Oder vielleicht siehst du ein Bild von einer Suppendose, genau wie die in deiner Speisekammer. Du siehst vielleicht Filmstars, Werbeanzeigen und Markenlogos – all die Dinge, die du jeden Tag siehst – verwandelt in helle, kühne, farbenfrohe Kunst. Das bin ich. Bevor ich Mitte des 20. Jahrhunderts auftauchte, dachten viele Leute, Kunst müsse sehr ernst sein und von ernsten Dingen handeln. Ich kam, um zu beweisen, dass Kunst lustig, laut und über die „populäre“ Welt um uns herum sein kann. Ich bin eine Feier des Alltäglichen und ich liebe es, bunt und aufregend zu sein. Mein Name ist Pop-Art.

Ich wurde an einem Ort voller neuer Ideen und Aufregung geboren: London, England, in den 1950er Jahren. Nach einem langen, schwierigen Krieg waren die Menschen bereit für etwas Neues und Optimistisches. Eine Gruppe von Künstlern, Schriftstellern und Denkern namens Independent Group begann sich 1952 zu treffen. Sie waren fasziniert von der hellen, glänzenden Welt der amerikanischen Popkultur, die sie in Zeitschriften und Filmen sahen. Einer dieser Künstler, Eduardo Paolozzi, fertigte bereits am 2. Juni 1947 eine Collage mit dem Titel „I was a Rich Man's Plaything“ an. Es war eine Mischung aus Bildern aus Zeitschriften und enthielt sogar das Wort „Pop.“ in einer Rauchwolke. Ein anderer Künstler, Richard Hamilton, schuf 1956 eine berühmte Collage mit dem Titel „Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?“. Sie war gefüllt mit Bildern von neuen Staubsaugern, Dosenfleisch und Bodybuildern – alles Symbole des modernen Lebens. Diese britischen Künstler waren die ersten, die all die „Dinge“ der Welt – die Anzeigen, die Logos, die Berühmtheiten – betrachteten und sagten: „Das kann auch Kunst sein.“.

Während ich in Großbritannien meine Anfänge machte, fand ich in den späten 1950er Jahren auch meinen Weg über den Ozean in die Vereinigten Staaten. Hier wurde ich zum Superstar. Amerikanische Künstler nahmen meine Ideen auf und machten sie größer, kühner und noch berühmter. Ein Künstler namens Andy Warhol entschied, dass alles ein Thema für seine Kunst sein könnte. Am 9. Juli 1962 eröffnete er eine Ausstellung mit 32 Gemälden von Campbell's Suppendosen, eines für jede Geschmacksrichtung. Er fertigte auch farbenfrohe Drucke von berühmten Persönlichkeiten wie Marilyn Monroe an. Er verwendete eine Druckmethode namens Siebdruck, um viele Kopien seiner Arbeit herzustellen, genau wie eine Fabrik viele Kopien eines Produkts herstellt. Ein anderer Künstler, Roy Lichtenstein, liebte das Aussehen von Comics. Er schuf riesige, dramatische Gemälde, die aussahen, als wären sie direkt aus einem Comic-Strip entnommen, komplett mit Sprechblasen und winzigen Punkten, den sogenannten Ben-Day-Punkten, die Drucker verwendeten. Sein Gemälde „Whaam.“ aus dem Jahr 1963 ist ein perfektes Beispiel. Diese Künstler machten nicht nur Kunst; sie stellten Fragen darüber, was Kunst sein könnte.

Meine große Idee war einfach: Kunst sollte nicht versteckt oder nur von wenigen Menschen verstanden werden. Sie sollte für jeden sein. Ich nahm die Dinge, die die Leute jeden Tag sahen, und hängte sie an eine Galeriewand, um zu zeigen, dass es Schönheit und Bedeutung in der gewöhnlichen Welt gibt. Ich brach die alten Regeln und vermischte hohe Kunst mit Populärkultur. Wegen mir fühlen sich Künstler heute frei, sich von überall inspirieren zu lassen – von Videospielen, Internet-Memes, Mode oder ihrer Lieblings-Müslipackung. Ich zeigte der Welt, dass Kunst verspielt, klug und ein Spiegel der Zeit sein kann, in der wir leben. Wenn du also das nächste Mal eine coole Werbung, einen lustigen Comic oder eine bunte Verpackung im Laden siehst, schau genau hin. Vielleicht siehst du ein kleines bisschen von meinem Geist, der dich daran erinnert, dass Kunst überall um dich herum ist und nur darauf wartet, entdeckt zu werden.